Arte abstracto ‘made in China’
El arte chino contemporáneo vive un momento de esplendor. Galeristas, coleccionistas y comisarios occidentales se interesan cada vez más por este arte. El año pasado empezó a conquistar España ocupando nuestros espacios expositivos y ahora Caixaforum ofrece una visión exhaustiva del arte chino abstracto, mantenido hasta hoy en la penumbra. Sirviéndose de distintos soportes (pintura, escultura e instalación) la exposición La modernidad desplazada: 30 años de arte abstracto chino recorre su trayectoria en tres décadas y analiza el resultado de unas obras que combinan la estética tradicional del país con la modernidad occidental.

Un modelo diferente y arriesgado
Con una programación de 57 espectáculos, la 32ª edición del festival Grec apuesta por una programación rompedora tanto por la iniciativa de incluir producciones propias, pensadas expresamente para esta edición, como por la inclusión de pocos nombres conocidos. Su objetivo no es otro que el de descubrir nuevos valores incitando la curiosidad del público.
La primera muestra de riesgo la encontramos en las siete producciones de artes escénicas programadas, frente a las dos del año pasado. Una de ellas inaugura el festival el 25 de junio. Història del soldat, de Igor Stravinksy, es un espectáculo musical dirigido por los creativos Nigel Lowely y Amir Hosseinpour concebido únicamente para el Grec. La cantante de fados Mísia y el actor Ángel Pavlovsky son los encargados de poner esta obra en escena.

El epicentro artístico del festival
Precisamente en la montaña de Montjuïc se concentra la programación del Grec’08. La mitad del aforo se corresponde con los espectáculos programados en el anfiteatro al aire libre, el Teatre Grec.

Y cuando el festival abandona Montjuïc, lo hace para reforzar su alianza con grandes centros culturales de la ciudad como el Macba, el CCCB, el Palau de la Música, L’Auditori, Caixaforum, la Fundació Miro o el Gran Teatre del Liceu. 

“Mi obra no hay que entenderla. Hay que gozarla”
La llamada de la Madre Tierra atrae al espectador desde la cuarta planta del hotel. El color y la materia se entrelazan por accidente en la obra del mexicano Bosco Sodi, un artista Ámister, autodidacta y apasionado de la experimentación sin fin. Su objetivo es liberar la imaginación de un público que ante sus cuadros es capaz de compartir la energía terrenal que la obra desprende. Dejando atrás los pinceles y sirviéndose de sus propias manos para crear, su arte es orgánico, visceral y libre de interpretaciones. Como un atardecer.

¿Qué relación pretendes que tenga el público con tu obra?
Mi intención es que el espectador haga su propia interpretación, cualquier opinión es válida. En el arte la gente tiene que ser muy libre. Por eso no titulo mis cuadros. Si llamara a una obra, por ejemplo, volcán, la gente vería ese concepto representado. Del mismo modo, tampoco firmo los cuadros por delante porque, si hay alguien que conozca mi obra, ya lo sabrá, no necesito comunicarlo. Lo importante es aportar algo, transmitir sensaciones.

¿Cómo tratas la materia y el color para conseguir tu objetivo?
Mi obra es muy casual, creo mucho en la técnica de la casualidad. El accidente hace única una obra, por ejemplo, creando colores irrepetibles, grietas inesperadas en la materia. También me inclino mucho por los materiales orgánicos porque siento que tienen una vibración diferente. El alma del hombre lee todo lo orgánico, no hay que enseñarle a entenderlo. Por ese motivo, tanto el crítico más estudioso del mundo como la persona más aislada de una tribu en el Amazonas va a gozar igual mi obra.

¿Qué influencias recibes, qué referencias artísticas tienes?
Siempre fui seguidor de Tàpies y de los expresionistas abstractos como Rothko y Sam Francis. Pero Tàpies, por ejemplo, siempre decía que la materia tenía que hablar por sí sola, sin color. Y Rothko y Sam Francis defendían que el color no necesitaba volumen. Entonces yo me pregunté: “¿Por qué no pueden ir los dos juntos?” Y mi trabajo se basa en explorar precisamente esa unión, combinando colores muy intensos con la materia y tratando de potencializar los dos elementos por igual.

El pasado mes de mayo, Barcelona se convirtió en la capital mundial del videoarte acogiendo la sexta edición del festival Loop’08. Ámister tuvo el placer de colaborar en este relevante evento que contó con la presencia de más de 800 artistas que presentaron sus trabajos en 142 espacios de Barcelona. Consolidado ya como un referente internacional, este magnífico festival, que incluye también una feria en la que participaron 44 galerías de arte, abrió sus puertas a proyectos creativos nacidos en 60 países diferentes.